Vingtième long métrage cinématographique du britannique Jesse V. Johnson, White elephant est coécrit par Johnson lui-même. Le film marque sa première collaboration avec le producteur et réalisateur Jon Keeyes. Il se situe dans la carrière de l’actrice franco-ukrainienne Olga Kurylenko entre le drame The Princess de Le-Van Kiet et la comédie d’action High heat de Zach Golden. Probablement pas le pire des Bruce Willis dernière période, parce que c'est Jesse V. Johnson à la réalisation, et que le savoir-faire du bonhomme fait un peu la différence. La réalisation est plus soignée, le rythme plus tenu, avec une tentative de donner un brin d'épaisseur aux personnages, d'injecter un peu d'humour dans la machine au-delà des attendues séquences de bagarres et fusillades. Le réalisateur compose également au mieux avec les limites du jeu désormais apathique de Willis tandis que Michael Rooker et Olga Kurylenko font preuve d’un appréciable investissement. Mais, après, ce White elephant demeure quand même trop léger en termes d'écriture, trop gamin, avec zéro surprise dans le déroulement de son intrigue. Et malgré les coups de feu et l’invraisemblable amoncellement de cadavres, l'ennui finit par pointer le bout de son nez au bout d'un moment. Par ailleurs, un peu triste de voir John Malkovich réduit à cachetonner dans des DTV de cette modeste ambition.

Novembre est le cinquième long métrage cinématographique du scénariste, producteur et réalisateur Cédric Jimenez. A l’élaboration du scénario, on retrouve Jimenez lui-même, mais également la cinéaste Jeanne Herry et Olivier Demangel, coscénariste de la mini-série Tapie de Tristan Séguéla et du drame sportif Mercato du même Séguéla. Le film se situe dans la carrière d’Anaïs Demoustier entre la comédie Fumer fait tousser de Quentin Dupieux et le drame La Bête dans la jungle de Patric Chiha. Cinéaste me semblant s’inscrire dans la veine des Verneuil, Boisset (l’aspect polémique en moins), Leroy et autres représentants d’un cinéma d’action populaire à la française, Jimenez s’attèle ici à l’évocation de la traque des terroristes responsables des attentats parisiens du 13 novembre 2015. Sujet délicat dont il se sort tout de même plutôt très bien si l’on accepte de juger l’œuvre par sa seule efficacité. Novembre tient en effet de la belle réussite sur le terrain du suspense choral, évoquant une sorte d’équivalent français au tout aussi solide Patriots Day de Peter Berg. Les faits sont exposés avec clarté, la mise en scène ne cherche judicieusement pas à tirer la couverture à elle, et la distribution haut de gamme confère l’intensité nécessaire à la pleine adhésion du spectateur à cette reconstitution, avec ici mention plus à Lyna Khoudri en jeune femme se retrouvant malgré elle informatrice au cœur de l’enquête. Bref, un film qui relate sans chercher à expliquer. Ce qui en fait évidemment à la fois la force et la faiblesse, Novembre manquant malgré tout un peu de point de vue pour accéder au rang de proposition cinématographique intégralement satisfaisante. Mais, sur un sujet aussi sensible à traiter, le résultat force tout de même le respect, et c’est déjà beaucoup…

Top Gun: Maverick est le quatrième long métrage cinématographique de Joseph Kosinski. Le film est notamment écrit par l’également réalisateur Christopher McQuarrie et Ehren Kruger, précédemment scénariste du Scream 3 de Wes Craven et Reindeer games de John Frankenheimer. Il marque la seconde collaboration de Miles Teller avec Kosinski après Only the brave en 2017 et se situe dans la carrière de Jennifer Connelly entre le film fantastique Alita: Battle angel de Robert Rodriguez et la comédie dramatique Bad behaviour de et avec Alice Englert. Il est fort, ce Tom Cruise ! A partir d’un succès cinématographique déjà pas inoubliable en son temps et foncièrement daté aujourd’hui, il parvient à nous offrir la Rolls-Royce du blockbuster contemporain. Aidé notamment du fidèle McQuarrie, il donne miraculeusement chair à ce qui se présentait sur le papier comme une pure et tardive opération commerciale. Car Top Gun: Maverick, c’est effectivement de spectaculaires séquences d’action, qui surpassent sans difficulté celles de son modèle. Mais c’est aussi et surtout un film malin avec du cœur, qui sait parler au plus grand nombre du temps qui passe et de la transmission, avec humour, à travers un récit bien construit, qui se joue des clichés du « Tom Cruise flick », et des personnages instantanément intéressants, travaillés avec ce petit supplément d’âme un peu naïf, cette discrète distance de plus en plus rares dans les productions actuelles de ce calibre. Bref, soigneusement emballé par le sage mais doué Kosinski, ou le disciple le plus doué de Tony Scott, un plus qu’impeccable divertissement, qui séduit autant par son efficacité que sa sincérité et me semble avoir amplement mérité son triomphe au box-office.

Strangers kiss est le second des cinq longs métrages signés à ce jour par le britannique Matthew Chapman, scénariste notamment du Consenting adults d’Alan J. Pakula et de la mini-série O Hóspede Americano signée Bruno Barreto. Le film se situe dans la carrière de Peter Coyote entre la chronique sudiste Cross Creek de Martin Ritt et le drame criminel Slayground de Terry Bedford. En dépit notamment d’une réception en salles plutôt enthousiaste sur notre territoire, ce Strangers kiss semble avoir assez mal traversé les décennies en terme de notoriété. Une relégation à l’oubli regrettable car l’œuvre n’a rien de perdu de sa séduisante étrangeté, de son charme chic de produit indépendant US avant l’heure. Faisant en définitive une force de son petit budget, le film nous balade ainsi dans les coulisses de ce qui ressemble fort à la production du Killer’s kiss de Stanley Kubrick, avec Peter Coyote dans le rôle du chef de file des réalisateurs maniaques, obsédés par le contrôle de leurs créations. Une ambiance fifties ainsi épurée à l’extrême, créant une aura de surréalisme autour de cette réflexion sur la magie du septième art, enrobée musicalement du saxo velouté de Gato Barbieri. De l’atmosphère à revendre donc, et pas mal de l’ingéniosité au menu de ce petit film manquant juste un brin de substance pour totalement emballer.

Holland est le second long métrage cinématographique de Mimi Cave après le thriller horrifique Fresh, sorti deux ans plus tôt. Le film est écrit par Andrew Sodroski, l'un des créateurs de la série Manhunt. Il se situe dans la carrière de l’acteur Matthew MacFadyen entre le film fantastique Deadpool & Wolverine de Shawn Levy et la mini-série Death by lightning réalisé par Matt Ross. Le seul bon point de ce suspense flirtant en définitive davantage avec le néo-noir que l’épouvante, c'est qu’il est plutôt joliment filmé, notamment dans toutes ses scènes oniriques. En revanche, côté écriture, ça ne le fait pas du tout. En effet, on commence par attendre pendant une bonne heure qu'il se passe quelque chose d'intéressant à l'écran, en imaginant par moment derrière cette intrigue trop propre sur elle une tentative de satire grinçante de l’american way of life, façon The Stepford wives. Et lorsque le film se décide à passer la seconde, c'est malheureusement pour partir dans des rebondissements et situations ineptes, avec des personnages principaux réagissant de façon totalement aberrante. Bref, le cas classique du produit de plate-forme incontestablement soigné mais qui n'a strictement rien à raconter. Par ailleurs, cela ça devient de plus en plus compliqué de faire abstraction de la trombine toute refaite de Nicole Kidman, surtout lorsque celle-ci est censée incarner une mère de famille lambda...

Babe: Pig in the city est le sixième long métrage cinématographique du producteur, scénariste et réalisateur australien George Miller. Le film est coproduit et coécrit par Miller lui-même, aux côtés de l’actrice, scénariste et réalisatrice Judy Morris. Il se situe dans la carrière de James Cromwell entre le film catastrophe Deep impact de Mimi Leder et le drame criminel The General’s daughter de Simon West. Trois ans après le carton critique et financier de son Babe, Miller quitte les seuls fauteuils de producteur et scénariste pour assurer lui-même la réalisation de cette séquelle. Une décision qui confère à mon gout une évidente plus-value à son objet cinématographique. On retrouve en effet dans ce Babe: Pig in the city toute l’imagination débridée du père des Mad Max, à travers un tourbillon de péripéties un peu folle, mises en scène avec une épatante et épuisante maestria. Mais également sa vision du monde bien à lui, c’est-à-dire profondément humaniste et angoissée quant au devenir de notre espèce. Un positionnement peut-être étonnant pour un film prioritairement destiné à la jeunesse, et qui explique sans doute un peu son insuccès de l’époque, mais une approche qui marque par sa maturité, son audace et ambition, faisant au final de ce second Babe l’une des grandes réussites du divertissement familial US des années 90, aux côtés du Secret garden d’Agnieszka Holland et de la Little princess d’Alfonso Cuarón.

Brevi amori a Palma di Majorca est le vingt-neuvième long métrage cinématographique de l’acteur, scénariste et réalisateur Giorgio Bianchi. Tourné sur l’île espagnole de Majorque, le film est coécrit par le prolifique Robert Gianviti, aujourd’hui peut-être davantage connu pour sa contribution au cinéma d’épouvante transalpin, aux côtés de Lucio Fulci notamment. Septième et dernier film tourné par Alberto Sordi sous la direction de Bianchi, Brevi amori a Palma de Majorca est, comme son titre l’indique de façon on ne peut plus explicite, une comédie chorale narrant les flirts estivaux d'une bande de touristes européens, principalement italiens, à Majorque. Au programme donc, imbroglios extraconjugaux et chastes amourettes de plage, avec Sordi en guest-star, affublé d’un pied bot, qui joue ici les stalkers pour rire, poursuivant de ses assiduités une star de cinéma incarnée par Belinda Lee, et Gino Cervi en industriel français répondant au patronyme de Breton (André de son prénom, évidemment). Aucun doute, on nage dans le pur film carte postale, totalement anecdotique quant à ses péripéties comico-romantiques, mais pas totalement inintéressant dans ce qu’il nous dit de la société italienne / européenne de l’époque. Sinon, à vérifier, mais il me semble bien que c'est Sordi lui-même qui pousse la ritournelle au générique de début...

Fast Charlie est le dix-neuvième long métrage cinématographique de l’australien Phillip Noyce. Cette coproduction anglo-américaine adapte le roman de Victor Gischler « Gun Monkey », publié en 2001. Elle est écrite par Richard Wenk, précédemment scénariste du The Mechanic version Simon West et des Equalizer de Fuqua, et se situe dans la carrière de Pierce Brosnan entre la comédie d’action The Out-laws de Tyler Spindel et le drame The Last rifleman de Terry Loane. Retour au cinéma d’action pour Noyce, 13 ans après Salt, et dernier tour de piste de James Caan, qui n'apparait qu'une dizaine de minutes à l'écran et n'a vraiment pas l'air en grande forme. Quant au film, c'est presque une bonne surprise à l'arrivée. Enfin, disons qu'avec cette distribution d'une autre époque et la petite forme affichée par Noyce sur son dernier long, le très douteux Lakewood, je ne misais pas sur quelque chose d'aussi décemment regardable. Certes le film suit un schéma narratif ultra-classique, déjà mainte fois exploré par Wenk dans sa carrière de scénariste. Mais il travaille un minimum ses personnages, plus attachants qu'attendus, et son cadre (Biloxi et La Nouvelle-Orléans), nous livre de l'action à l'ancienne, façon nineties, sans surenchère, et offre tout de même un bon petit rôle à Brosnan, qui démontre qu’il assure encore niveau charisme et coolitude. Pas si mal, en résumé, de la part de l’inégal Noyce.

I Ragazzi dei Parioli est le dixième long métrage cinématographique du scénariste et réalisateur Sergio Corbucci. Produit par Tonino Cervi, fils de l’acteur Gino Cervi, le film est écrit par Corbucci lui-même et Luciano Martino, d’après la pièce de théâtre « Ai galli piacciono le stelle » de Martino. Il s’agit par ailleurs du premier des 3 films tournés par Nino Manfredi sous la direction de Corbucci. Plus qu’agréablement surpris par ce I Ragazzi dei Parioli, titre me semble-t-il tombé dans un oubli quasi intégral au sein de la riche carrière de Corbucci. Une étude de mœurs ciblant la jeunesse dorée romaine - le Parioli du titre étant un quartier de la capitale italienne - dont le pessimisme ambiant annonce totalement les grandes heures westerniennes à venir de l’œuvre corbuccienne. Aussi satisfaisant dans sa forme, énergique, riche en atmosphère - celle de la Rome nocturne de la toute fin des années 50 - que dans son écriture, acérée, d’une cruauté dans ses portraits d’individus veules, profiteurs et irresponsables annihilant rapidement tout espoir de happy-end chez le spectateur. Une réussite à réhabiliter donc, jamais soumise à ses racines théâtrales, évoquant en surface davantage les tragi-comédies acides des Risi et Salce de la même époque tout en rejoignant les grands classiques de son auteur dans sa sombre vision du monde.

The Ritual killer est le douzième long métrage cinématographique de George Gallo. Tourné à Rome et dans l’état du Mississipi, le film ne rassemble pas moins de 6 scénaristes à son écriture, parmi lesquels Francesco Cinquemani, déjà partenaire d’écriture du cinéaste sur son précédent The Poison rose. Il se situe dans la carrière de Morgran Freeman entre le drame criminel The Minute you wake up dead de Michael Mailer et le drame de Zach Braff, A good person. Ce film de serial-killer signé par le scénariste du Wise guy de Brian De Palma et Midnight run de Martin Brest marque la quatrième collaboration à ce jour entre George Gallo et Morgan Freeman. Et s’il ne s’agit d’une purge absolue telle que le duo a précédemment pu nous « offrir » via leur atroce Vanquish, on reste tout de même sur un suspense d'une extrême médiocrité, aux dialogues globalement exécrables, situations parfois risibles et à la conclusion qui m'a laissé un brin perplexe - si quelqu'un peut me l'expliquer, je suis preneur. En professeur d’anthropologie spécialisé dans les rituels tribaux africains, Freeman tente bien (mollement) d'apporter un brin d'intensité et ambiguïté à cette improbable intrigue, mais les platitudes sentencieuses qu'il se voit contraint de débiter face à un Cole Hauser hagard n'aident clairement pas à soutenir ses maigres efforts. Bref, bêta et bâclé, comme quasiment toutes les dernières réalisations de George Gallo. Et, par ailleurs, je m'interroge ici sur l'utilité de la partie italienne du récit, qui n’apporte rien de consistant au film.

Les Sanguinaires est le premier des 9 longs métrages tournés par Laurent Cantet entre 1997 et 2021. Le film est écrit par Cantet lui-même et Gilles Marchand, scénariste que le réalisateur retrouvera par la suite sur Ressources humaines, Entre les murs, Foxfire et L’atelier. Il se situe dans la carrière de Frédéric Pierrot entre le drame Inside/Out de Rob Tregenza et le biopic Artemisia d’Agnès Merlet. Galop d’essai de Cantet dans le domaine du long, Les Sanguinaires ne possède clairement pas la force des travaux à venir du cinéaste, à commencer par ses deux suivants, les indispensables Ressources humaines et L’emploi du temps. Mais cette étude comportementale anticipant les passionnants portraits de groupe que constitueront Entre les murs, Foxfire ou encore Retour à Ithaque n’en demeure pas moins une œuvre d’une belle acuité dans l’écriture, se distinguant par la qualité de sa direction d’acteurs, parmi lesquels beaucoup de non professionnels et / ou débutants - un autre trait distinctif du cinéma à venir de Cantet. Bref, un premier film déjà très maitrisé, mais juste un peu trop sec dans l’écriture - difficile notamment de s’attacher totalement aux personnages du film, belle bande de râleurs égocentriques tout de même - un peu trop brut dans la forme, pour se hisser au niveau des suivants dans l’œuvre du trop tôt disparu Laurent Cantet.

Jackpot ! est le dixième long métrage cinématographique de l’acteur, producteur et réalisateur Paul Feig. Le film est écrit par Rob Yescombe, scénariste de l’Outside the wire de Mikael Hafström. Il se situe dans la carrière de l’acteur et catcheur vedette John Cena entre la comédie Die Hart: Die Harter d’Eric Appel et le film d’action Head of state d’Ilya Naishuller. Comédie d'anticipation sortie directement sur la plate-forme Amazon Prime, Jackpot! évoque quelque peu, dans son pitch, le classique "The Seventh victim" de Robert Sheckley, déjà par 2 fois porté à l’écran. De la matière à satire sociale donc, au départ, malheureusement diluée ici dans de l'action burlesque jusqu'à la quasi inexistence, à travers une succession presque ininterrompue de séquences de course-poursuites et d'affrontements certes inventifs, amusants sur le moment, mais sans substance ni réel enjeux, tout juste relevés de quelques répliques rigolotes et d’un binôme Awkwafina - John Cena qui fonctionne plutôt pas mal. Pas désagréable du tout dans l’ensemble - le rythme est là, le film fait régulièrement sourire - mais disons que j'attendais un petit peu plus du réalisateur de Bridesmaids, The Heat et Spy que ce produit aisément oubliable, manquant globalement d’ambition.

Vingt-huitième réalisation de l’israélien Menahem Golan, Mack the knife adapte "L'opéra de quat'sous" de Bertolt Brecht et Kurt Weill, comédie musicale initialement montée à berlin en 1928. Tourné en studios à Budapest, en Hongrie, le film est écrit par Golan seul et se situe dans la carrière de Richard Harris entre le film de guerre Trappola diabolica de Bruno Mattei et le film d’aventures King of the wind de Peter Duffell. Notons que Harris et Julie Walters se retrouverons 12 et 13 ans plus tard sur les deux premiers volets de la franchise des Harry Potter. Bizarrerie oubliée de plus dans la carrière de réalisateur de Golan, Mack the knife est une comédie musicale assurément originale à sa façon, au grotesque pas toujours volontaire, avec des courses-poursuites en accélérée, du crêpage de chignons en chantant et quelques autres maladresses / idées foireuses à la hauteur de la réputation du généreux mais pas très talentueux Menahem. Perdus dans des décors évoquant plus les séries B fauchée d’Harry Alan Towers de la même période que le cinéma de prestige britannique à la Richard Attenborough auquel le film semble vouloir se rattacher, Mack the knife ne tient donc que par son inconscience du ridicule et ses perstations en totale roues libres, notamment celle catastrophique de Richard Harris (pourtant me semble-t-il sorti de la bibine à l’époque). Bref, une œuvre au charme, disons, singulier, caractéristique de l’ambition quelque peu démesurée de son sympathique auteur.

Romero est le neuvième long métrage cinématographique du scénariste et réalisateur australien John Duigan. Coproduction américano-mexicaine, le film est écrit par John Sacret Young, scénariste de la mini-série A rumor of war de Richard T. Heffron et créateur de la série China Beach. Il se situe dans la carrière de Raul Julia entre le drame criminel Tequila sunrise de Robert Towne et la comédie dramatique Mack the knife de Menahem Golan. Biopic historico-politique évoquant le combat de l’archevêque Oscar Romero contre la dictature militaire au pouvoir dans le Salvadore en pleine guerre civile des années 80, le film de Duigan n’évoque que lointainement le cinéma engagé d’Oliver Stone de la même époque - parallèle difficile à esquiver ici. L’ensemble affiche en effet un progressisme plus classique, plus hollywoodien à mon sens, dans sa manière de condamner sans provoquer, de prendre plus discrètement position. Une position qui fait la force et la faiblesse du film, à la fois sobrement efficace dans son approche mais également un peu chiche en personnalité, se distinguant finalement du tout-venant essentiellement à travers la qualité des prestations offertes par Raul Julia et Richard Jordan dans les rôles principaux. Bref, sérieux, solide du côté de l’interprétation, mais un peu trop sage, et aucunement remarquable niveau mise en scène.