He rides tall est le second et dernier film tourné par l’éphémère vedette sixties Tony Young sous la direction de R.G. Springsteen. Le film est coécrit par Robert Creighton Williams, déjà scénariste de cinq westerns signés Springsteen, ainsi que d’un supplémentaire à venir, quelques mois plus tard, Taggart, également interprété par Young et Dan Duryea. J'avoue que le look très télévisuel de ce He rides tall a, dans un premier temps, légèrement freiné mon enthousiasme. Et puis, une fois de plus, la magie Springsteen opère. L'ensemble a beau paraître un peu fauché, étriqué, il fonctionne. Peut-être parce qu'il n'y a pas de superflu dans ce programme scénaristique, avec des enjeux vite et bien posés. Peut-être aussi parce que le vilain (Dan Durya) est charismatique et que la réalisation n'ambitionne également qu'à aller à l'essentiel. Bref, clairement pas le western qui cherche à faire bouger les lignes, mais une charmante production bis, par ailleurs relevée d'une petite pointe de sadisme pas désagréable du tout (cf. notamment le triste sort réservé à la femme infidèle du rancher McCloud).

High rolling est le premier des 3 longs métrages cinématographiques réalisés par l’australien Igor Auzins entre 1977 et 1984. Produit par l’également réalisateur Tim Burstall, le film est écrit par le scénariste de télévision Forrest Redlich. Il se situe dans la carrière sur grand écran de Joseph Bottoms entre la comédie criminelle Ace up my sleeve d’Ivan Passer et le film de science-fiction, The Black hole de Gary Nelson. Titre largement oublié de la nouvelle vague cinématographique australienne des années 70-80, High rolling n’en constitue pas, il est vrai, un fleuron. L’œuvre vient en effet se nicher dans les recoins les moins personnels de ce riche corpus ayant vu émerger les talents de Peter Weir, George Miller, Fred Schepisi et autres Phillip Noyce. Et la décontraction semble être le maître-mot ici, fil d’Ariane d’un récit naviguant selon l’humeur entre road movie, comédie et récit criminel. Rien de mémorable donc, du côté du contenu, mais un ensemble néanmoins loin d’être déplaisant à suivre, bénéficiant grandement de son cadre géographique dépaysant - essentiellement l’état du Queensland - tandis que l’interprétation, en mode détente, bien dans l’esprit du film, nous révèle un Joseph Bottoms moins emprunté que d’habitude et une jeune Judy Davis au tempérament déjà bien trempé. Bref, un produit d’exploitation australien secondaire mais accrocheur, à l’énergie communicatrice.

Midnight in the switchgrass est la première réalisation du très actif producteur Randall Emmett. Partiellement tourné sur l’île de Puerto Rico, le film marque les débuts du scénariste Alan Horsnail. Il se situe dans la carrière de Bruce Willis entre le film de science-fiction Cosmic sin d’Edward Drake et le drame criminel Out of death de Mike Burns. Dernier Bruce Willis (furtivement) sorti en salles sur le sol américain selon IMDB, Midngiht in the switchgrass est un film de serial-killer pas franchement mal réalisé, correctement interprété, à l'exception, embarrassante, de Willis, que l'on devine à moitié dans le cirage, mais pâtissant d'une écriture médiocre, farcie de clichés, qui ne parvient jamais à générer suspense et tension. Soit l'habituel gros problème des productions Emmett & Furla, confectionnées avec un certain soin mais totalement dépourvues d’originalité comme d'un minimum de subtilité. Bref, un produit qui ne sombre peut-être pas dans le navrant comme d'autres Bruce Willis de la même période, mais néanmoins sans âme, finalement assez peu recommandable, comme il fallait malheureusement s'y attendre.

Sesso e volentieri est le quarantième long métrage cinématographique de Dino Risi. Le film est coécrit par Risi lui-même, le fidèle Bernardino Zapponi et le nouveau venu dans l’écurie risienne, Enrico Vanzina, fils du réalisateur Steno, que Risi retrouvera 4 ans plus sur la comédie Il Commissario Lo Gatto. Il se situe dans la carrière de Laura Antonelli entre la farce guerrière Porca vacca de Pasquale Festa Campanile et la comédie de Carlo Vanzina, Viuuulentemente mia. Ces mal titrés Derniers monstres en français me semblent en effet moins appartenir à la glorieuse série des « monstres » de Risi et cie qu’à sa série d’anthologies comiques tournant plus ou moins autour de la question de la pratique sexuelle sous ses diverses déclinaisons, triptyque entamé avec Vedo nudo en 1969 et poursuivi 4 ans plus tard via Sessomatto, déjà interprété par Laura Antonelli. Et, autant Vedo nudo et Sessomatto m’avaient emballé, autant cet ensemble constitué de quelques 10 sketchs m’a laissé dubitatif. Sesso e volentieri est en effet aussi peu attractif visuellement qu’inégal dans l’écriture, pratiquant un humour malheureusement plus souvent facile, voire douteux, que provocateur. On peut donc regretter que Risi soit tombé si bas, surtout juste après son très beau Fantasma d'amore, ou, à l’inverse, tenter d'apprécier dans toute sa vulgarité et son mauvais goût cette œuvre reflétant finalement assez justement son époque. Après, je ne suis pas fier de l’avouer, mais le sketch qui m’a le plus amusé est celui intitulé « Lady Jane », avec Margaret Lee en noble britannique souffrant de flatulences chroniques.

Dinner in America est le troisième long métrage cinématographique du scénariste et réalisateur Adam Rehmeier. Présenté en compétition à Sundance en 2020 et coproduit par Ben Stiller, le film est écrit par Rehmeier seul. Il se situe dans la carrière sur grand écran de Lea Thompson entre le drame familial Little women de Clare Niederpruem et la comédie Mark, Mary & some other people d’Hannah Marks. En voilà une romcom qui fait du bien, sortant des routes de l’attendu avec ses 2 protagonistes principaux bien décalés et sa trash attitude totalement débridée. Un film qui repose donc à la fois sur son écriture, inventive, dosant habilement le grave et le cocasse, et un couple d’interprètes principaux totalement habités par leurs drôles de personnages. Bref, de la provoc comico-dépressive qui fait du bien et, surtout, nous régale d’une pelleté de séquences extrêmement drôles. Avec en arrière-plan, une peinture tout de même évocatrice de l’Amérique profonde des tristounettes et étriquées banlieues pavillonnaires. Soit le genre de titres US indépendants comme je les aime, à mettre en avant, qui ne court pas après mais mériterait vraiment son petit statut culte.

Hot seat est le dix-neuvième long métrage cinématographique du producteur, scénariste, acteur et réalisateur James Cullen Bressack. Notamment produit par le très actif binôme Randall Emmett et George Furla, le film se situe dans la carrière de Mel Gibson entre le drame Father Stu de Rosalind Ross et le biopic criminel Bandit d’Allan Ungar. Suspense reprenant le concept de Speed et autres film de piégeurs fous, Hot seat fait presque illusion sur son premier tiers, en dépit d’une séquence d’explosion inaugurale qui fleure bon le DTV tout fauché. Kevin Dillon et Mel Gibson défendent leur rôle avec le minimum d’entrain requis pour que l’affaire fonctionne et Cullen Bressack fait lui-aussi preuve d’un professionnalisme appréciable à la réalisation. Malheureusement cette fragile bonne impression première ne résiste pas très longtemps au défaut numéro uno de la plupart des productions Emmett & Furla : l’écriture. Avec toujours cette incapacité à sortir des clichés, à donner de la chair aux personnages, en plus de régulièrement sombrer dans le ridicule à vouloir se montrer bien trop malin. Comme ici lorsque Hot seat tente maladroitement de nous en mettre plein les yeux en nous plongeant dans les arcanes du piratage de haut vol, avec pour seul atout Kevin Dillon tapant frénétiquement sur son clavier en plaçant ici et là quelques termes informatiques qui claquent. L’ennui finit donc naturellement par se manifester, pour ne plus nous lâcher dans la très monotone seconde partie du film, succession de rebondissements éventés et de séquences d’action à la fois ternes et sans réel enjeu. Au final, un titre certes pas épouvantable, mais tout de même parmi les plus médiocres dans la déclinante filmographique de Mel Gibson.

Fletch lives est le quinzième des 20 longs métrages cinématographiques signés par Michael Ritchie entre 1969 et 1996. Le film transpose librement à l’écran le personnage du journaliste détective Irwin « Fletch » Fletcher créé en 1974 par romancier Gregory MacDonald, ici sous la plume de Leon Capetanos, précédemment scénariste du Moscow on the Hudson et Down and out in Beverly Hills de Paul Mazursky. Il se situe dans la carrière de Chevy Chase entre les comédie Caddyshack II d’Allan Arkush et National Lampoon’s Christmas Vacation de Jeremiah S. Chechik. Le retour de Fletch version Chevy Chase, 4 ans après le premier opus. Le film est peut-être un peu moins tenu côté rythme, un peu plus attendu forcément aussi, avec une intrigue policière encore plus secondaire dans le programme. En fait, l’impression générale est celle d’une œuvre misant pratiquement tout sur Chevy cette fois, mais sans que cela ne pose finalement vraiment problème. Déjà parce que l'acteur, multipliant les déguisements / personnifications plus moins improbables, est encore au sommet de son art. Ensuite parce Ritchie et lui, aidés du mazurskien Leon Capetanos à l'écriture, semblent vraiment sur la même longueur d'onde niveau humour, tout en raillerie assumant pleinement sa condescendance. Le résultat s’avère donc un peu plus pépère que le premier Fletch, mais pas moins savoureux pour autant (avec notamment une séquence impliquant le Ku Klux Klan qui me semble préfigurer celle de Django unchained). Bref, du Ritchie d’excellent niveau dans l’ensemble.

A good person est le quatrième long métrage ciné de l'acteur, producteur et scénariste Zach Braff. Le film est écrit par Braff, qui en assure également la production, aux côtés notamment de son actrice principale, et compagne d’alors, Florence Pugh. Il se situe dans la carrière sur grand écran de Morgan Freeman entre le thriller The Ritual killer de George Gallo et le suspense science-fictionnel 57 seconds de Rusty Cundieff. Je me suis risqué à ce Good person, passé relativement inaperçu chez nous, essentiellement pour Morgan Freeman, mais en y croyant assez peu, à vrai dire. Déjà parce que cela fait un moment que Morgan n'est pas apparu dans un film correct. Ensuite parce que ce que j'ai vu à ce jour de Braff (Garden State et son remake de Going in style, avec déjà Freeman), sans être détestable, ne m'a pas franchement marqué. Et bien finalement c’est une bonne surprise. Certes il faut aimer le mélo. Mais, si tel est le cas, et que l'on a la larme facile comme moi, il me semble que c'est un mélo qui fonctionne parfaitement, avec une intrigue assez dense, suivant et mêlant 3 trajectoires sur 2 bonnes heures sans temps mort - j'ai d’ailleurs regardé le film d'un trait, ce qui m'arrive assez rarement. Les personnages sont tous attachants, les dialogues incisifs - peut-être même un peu trop malins pour le bien du film parfois - et Morgan Freeman s'offre une partition sur mesure, peut-être sans risque mais qu'il joue à la perfection. Bref, sans surprise dans le fond, mais, me concernant, très efficace.

What did you do in the war, daddy? se situe dans la filmographie de l’acteur, scénariste, producteur et réalisateur Blake Edwards entre la comédie The Great race et le film policier Gunn. Produit par Edwards, le film est écrit par le scénariste et romancier William Peter Blatty, célèbre auteur de « The Exorcist ». Il s’agit du premier des 2 longs métrages tournés par James Coburn sous la direction d’Edwards, 6 ans avant le thriller The Carey treatment. Sans doute pas la plus belle comédie d’Edwards, mais une farce militaire tout de même menée de main de maître, dont les qualités de mise en scène rattrapent le plus souvent les récurrentes lourdeurs d’écriture. What did you do in the war, daddy ? n’est ainsi pas toujours aussi désopilant qu’il le voudrait, mais sa mise en scène a de l’allure et du punch. Elle sait mettre en valeur ses gags, ses décors, son action au sens large. On reste donc constamment sur du haut de gamme, séduits également par des numéros d’acteur généreusement mis en avant par la direction d’Edwards. Avec, finalement, derrière l’excès de bonne humeur parfois un peu épuisante, le sentiment d’une plus grande ambition que celles alors affichées par les comédies bouffonnes similaires de Stanley Kramer, Frank Tashlin ou Hy Averback. Bref, excessif mais néanmoins brillant.

The Waterdance est l’unique (co-)réalisation de Neal Jimenez, scénariste du River's edge de Tim Hunter, et le premier des longs métrages signés à ce jour par Michael Steinberg. Le film se situe dans la carrière d’Eric Stoltz entre le biopic A woman at war d’Edward Bennett, tourné pour le petit écran, et la comédie de mœurs Singles de Cameron Crowe. Il s’agit par ailleurs du premier des 3 films / téléfilms réunissant à l’écran Stoltz et Elizabeth Peña. Un film qui avait pas mal suscité ma curiosité à l'époque mais dont j'avais fini par oublier l'existence. Séance de rattrape donc, et c'est une jolie surprise. Une réussite qui sent le vécu dès les premières minutes - et, après vérification, il s’avère que l’œuvre est semi-autobiographique, Eric Stoltz incarnant ici plus ou moins Neal Jimenez. Un film sur la reconstruction / acception de son nouveau soi, plus naturaliste que mélodramatique, parfois très direct, souvent tout en retenue côté émotion, évitant jusqu’au bout les violons et l'optimisme forcé. Avec le support de comédiens totalement investis. Soit Eric Stoltz, parfait, Helen Hunt, craquante et touchante, et les seconds rôles Wesley Snipes et William Forsythe, impeccables aussi, sortant ici de leurs habituels emplois de gros bras, en compagnons d’infortune du personnage principal. Bref, un chouette représentant du cinéma US indépendant du début des années 90, qui mériterait une plus large reconnaissance à mon goût.

23 paces to Baker Street se situe dans la filmographie d’Henry Hathaway entre le drame The Bottom of the bottle et le film d’aventures Legend of the lost. Le film adapte le roman « Warrant for X » de Philip MacDonald. Il est écrit par le scénariste et romancier britannique Nigel Balchin et marque la seconde collaboration d’Hathaway avec l’acteur Van Johnson. Un titre un peu sous-estimé, me semble-t-il, dans la carrière d’Hathaway, que ce succulent morceau de suspense cuisiné façon fifties, sur lequel plane l’ombre du Rear window d’Alfred Hitchcock. Car non seulement l’œuvre en met plein les mirettes entre ses magnifiques couleurs et son impressionnant CinémaScope 35 mm, mais 23 paces to Baker Street nous mitonne également une excellente intrigue à suspense offrant au passage un excellent rôle à Van Johnson. Alors certes Hathaway a fait plus ambitieux que ce titre relevant du simple divertissement. Mais des divertissements de cette trempe, aussi soignés, aussi généreux visuellement tout en manifestant une telle maitrise et élégance dans ses quelques morceaux de tension (le passage dans la maison sans façade, mémorable), il est clair que je veux bien en découvrir tous les jours.

The Big sleep est le vingt-troisième long métrage cinématographique du britannique Michael Winner. Le film adapte librement le roman éponyme de Raymond Chandler, publié en 1939. Il est écrit et coproduit par Winner lui-même, et se situe dans la carrière de Robert Mitchum entre le suspense The Amsterdam kill de Robert Clouse et la comédie sportive Matilda de Daniel Mann. Pour son retour sur le sol anglais, 7 ans après le drame horrifique The Nightcomers, le trublion Winner s’attèle à une nouvelle transposition sur grand écran du classique littéraire noir de Chandler. Un pari risqué, d’emblée prompt à hérisser le poil du puriste, qui débouche sans surprise sur un néo-noir très « winnerien », en tout cas beaucoup plus personnel que la précédente proposition d’adaptation de ce romancier, Farewell my lovely, signée par Dick Richards 2 ans auparavant. Le gout de Winner pour la transgression, de même que son l’humour poil à gratter pas toujours des plus délicats, infusent donc généreusement cet exercice de style qui, comme la plupart des films du cinéaste de cette période, vaut également le coup d’œil pour ses numéros d’acteur, ici savoureusement complices de relecture narquoise. Avec, en tête de gondole d’une distribution quatre étoiles, un Mitchum idéalement flegmatique dans sa seconde incarnation du détective Marlowe. Après, il est sans doute un peu dommage que tout ce piquant ne s’accompagne pas d’une intrigue plus soignée, The Big sleep nous perdant en effet rapidement dans les méandres de sa cascade de fausses pistes, vraies révélations et autres imbroglios. Au final, un film qui s’apprécie donc plus pour ses à-côtés, son ambiance anglaise un brin dépressive qu’accompagne une excellente partition jazzy de Jerry Fielding, que pour ce qu’il raconte, globalement peu captivant.

Hello again est le dix-septième et dernier long métrage de fiction de Frank Perry. Le film marque sa seconde collaboration avec la scénariste et romancière Susan Isaacs après Compromising positions, sorti 2 ans plus tôt. Il se situe dans la carrière de son actrice principale, Shelley Long, entre les comédies Outrageous fortune d’Arthur Hiller et Troop Beverly Hills de Jeff Kanew. Comme la plupart des films de Perry de la période 80, Hello again n'a pas très bonne réputation. Et effectivement il faut bien reconnaitre que cette comédie de mœurs surnaturelle est loin d'être fameuse. Pourtant, les 20 premières minutes sont pourtant plutôt encourageantes. On retrouve en effet, par moment, un peu du Perry de The Swimmer et Diary of a mad housewife dans ce portrait amusé, un poil moqueur, d'une petite bourgeoise trentenaire, mariée à un ambitieux chirurgien esthétique, cherchant un sens à son existence. Malheureusement Shelley Long, horripilante, toute en mimiques outrancières, ne m'a vraiment pas semblé à la hauteur de ce rôle intéressant sur le papier. Et si le virage fantastique pris par le film s'avère étonnant dans un premier temps, abordant le retour du royaume des morts de son héroïne de façon très pragmatique, c'est pour mieux retomber ensuite dans des situations comico-romantiques extrêmement convenues, voire même gênantes (cf. le show final de Long, ridicule). Avec en prime un Gabriel Byrne miscast en love interest, donnant par moment l'impression de vouloir être ailleurs, loin de ce film. Un ratage donc pour Perry, pas le premier certes, mais assurément l’un des plus tristes.

There goes the neighborhood est l’unique long métrage de fiction de Bill Phillips, scénariste du Christine de John Carpenter et du sympa El Diablo, coécrit quelques années plus tard avec Carpenter himself. Le film est scénarisé par Phillips lui-même et se situe dans la carrière de Jeff Daniels entre l’obscur drame science-fictionnel indépendant Rain without thunder de Gary O. Bennett et la fresque historique Gettysburg de Ronald F. Maxwell Pas la plus mémorables des comédies tournées par Jeff Daniels dans les années 90. Pas la pire non plus, car même si cette petite farce manque un peu de poigne et d'idées du côté de la réalisation, l’intrigue, astucieuse, maintient jusqu’au bout un niveau d’intérêt des plus satisfaisants. Et puis surtout l’interprétation consolide sans forcer ce fragile édifice, There goes the neighborhood bénéficiant du fort capital sympathie de Daniels et de l’expérience d’une galerie de seconds rôles 3 étoiles (Harris Yulin, Chazz Palminteri, Jeremy Piven, Dabney Coleman, Mary Gross et quelques autres encore). Bref, une comédie gentiment fofolle, qui manque d'éclat mais demeure néanmoins sympathique, frôlant finalement d'assez près la bonne surprise.